PRESS RELEASE in English (deutsche version unten verfügbar)
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Oh, dear ceramics. You ware of the earth. You have something primal about you; you ground us. You feel like a deep breath of fresh Alpine air or like looking up from below into the crown of a thick tree trunk.

This is not an exhibition of historical antiquities, but perhaps a declaration of love. An exhibition about what today's generation of artists can do with ceramics. Works that are equally virtuosic in terms of craftsmanship as they are in terms of artistry. Because that is precisely the crucial relationship. Nothing here is classical anymore, and yet the view on tradition plays a role for all artists here. We celebrate both how far the medium has come and how far one can go with it.

Everything made of ceramic is fragile, and yet it is the most long-lasting earth material that can be shaped by hand. Just think of the millennia-old ceramic treasures that we can still admire today in almost intact condition. It is one of the oldest means of artistic expression. Hundreds, thousands of years ago, our Palaeolithic ancestors must have noticed the material properties of clay. They must have seen the footprints of their prey – and their own heavy footsteps – pressed into the riverbanks, retaining their shape even when water collected in them. But there was still a long way to go before clay could be processed into ceramics. (1)

Ceramics is a much broader concept than many might assume. It has long since emancipated itself from the ‘ceramics is just design’ pit. Interestingly, the first ceramic objects were not practical bowls, but works of art. Around 28,000 years ago, the Pavlovian culture of Gravettian Europe – a highly developed society of mammoth hunters – began using special clay kilns to fire small animal and human figures. Their most legendary work remains the Venus of Dolní Věstonice, a curvaceous figure considered to be the oldest known ceramic in the world. 

Still until today, it is considered one of the most direct means of expression. Nearly all of the artists here in the exhibition spoke of the immediacy to the material in translating what they want to create. In today's world, ceramics might even act therapeutic and keep us sane in the digital terror jungle. Philosophically, you can treat ceramics as this thing that turned against modernism. Today, perhaps even as the thing that turns against digitalisation. Because, and this is also intrinsic to ceramics, you have to experience it. Images of the works shown here can never do justice to their surface texture, the reflections of light, their multi-sidedness and multi-dimensionality. 

If you leave aside the function of ceramics, what do you hold on to? From the exhibition catalogue of Hans Coper's exhibition at the Victoria & Albert Museum in 1969, he says: ‘Practising a craft with ambiguous reference to purpose and function, one has occasion to face absurdity. (2) More than anything, somewhat like a demented piano-tuner, one is trying to approximate a phantom pitch.’ This is probably an apt description for what we find here in terms of virtuosity and ‘pitches’.

Perhaps the most radical artist working with ceramics, and an inspiration to many of the artists featured here, is the late Betty Woodman (1930–2018, USA). Betty’s ceramic practice shifted from the functional to the increasingly conceptual, drawing on the generous sculpturalism of Italian pottery for her Etruscan Vases works (1965-66) and – also on show – for her Pillow Pitchers (1970s-2000s), imbued too with the tradition of Chinese ceramic pillows, gloriously unwieldy in Betty’s reinterpretation. It was a time of ‘broadening my understanding of what clay could be’, said Betty, an early foretelling of her radical ceramic and painting assemblages, such as Summer View, (2014), which is on view in the exhibition: a protruding trompe l’oeil tabletop inhabited by spliced clay vessels. (3)

The artist Perrine Boudy (born in Versailles in 1995) is, by her own admission, a great admirer of Woodman. Her creations are also sculptures and should not really be understood as vases. They are inspired by Greco-Roman krater vases, but are unglazed and porous, and therefore unusable. She prefers not to be surprised by the colours of the glaze after firing and instead plays with engobes, which she uses ‘like aquarelle paints or ink’ before firing the piece in a single pass. The vase thus becomes three-dimensional paper. Drawing transformed into volume, striving to play with the boundary between drawing and ceramics. Boudy uses the vehicle of vases, which are charged with meaning and are ingrained in all our memories as irrefutable cultural heritage, and, in the spirit of a simulacrum, transforms them into a platform on which one can play around at will. Omage and transfigured comic drawing at the same time. She makes use of obsessively recurring motifs such as dots, volutes and stripes, purely ornamental, or comic book-like animals such as horses or dogs.

Caroline Achaintre (born 1969 in Toulouse, France / lives and works in London, UK) also toys with two- and three-dimensionality. She creates various characters, half fantastical, half ghostly, sometimes made of wool, sometimes of ceramic, in different dimensions. Solaroid appears like a carnival mask dazzled by the sun. In general, the European carnival, with its shape-shifting, plays an important role as a source of inspiration for Achaintre. The sun forces a squinting of the eye area and shrinks the ceramic sheet into a three-dimensional mask. Something that was originally two-dimensional becomes something animated and three-dimensional. Achaintres' thought experiment perhaps goes even a step further, one might think: don't you suddenly see things you didn't see before when you yourselves squint your eyes and focus on a blurred spot? 

For Sarah Dwyer (born 1974 in Ireland. Lives and works in London, UK), everything begins with drawing, but first on paper. Starting with life drawings, she reworks her life figures on canvas again and again, reducing them, stretching them lengthwise or widthwise, or squashing them together, until they have the right shape. For this, she uses her own abstract vocabulary of mark-making, which she has developed over a period of fifteen years, with a wink to the history of abstract figuration. Recently, she has been transferring the discourse she developed in painting to experimental ceramic sculptures. Between figuration and abstraction, her exploration of the nature of the gestural sign, the line, continues. The sculptures are like physical three-dimensional manifestations of brushstrokes. What is astonishing is how spontaneous and free they appear, completely concealing the fact that they have been so carefully layered and fired so many times to achieve the different surface textures, until just before the heat in the kiln would break them.

Like Dwyer, Gabi Deutsch (born 1973. Lives and works in Zurich, CH) explores forms of abstraction and translations into three-dimensional sculpture in her work. She probes the potential of the material, its structure and its possibilities for transformation, making the nature of the process visible. Forms from the history of architecture, art and design serve as references for her work. Deutsch has been working mainly with ceramics for several years. She creates hand-formed unique pieces that are situated between works of art and functional design objects. 

As the only self-confessed designer in the group, Rita Zurbrügg comes very close to the boundary between the supposedly different worlds of art and design. As impressively artistic as they are, there should no longer be any distinction between the two. Also inspired by architecture, visual arts and the diversity of forms found in nature, Zurbrügg transforms clay into masterful sculptural objects for everyday use.

Since 2018, Guillaume Martin-Taton (born 1991 in Nîmes, FR. Lives and works in Geneva, CH) has been developing a ceramic practice in which chimera-like animals play a central role. These hybrid figures, which emerged from his research into signage systems and the Manitou alphabet, function as three-dimensional signs – simultaneously sculptural forms and coded presences. Drawing on aposematism and the visual warning strategies of the animal kingdom, he composes surfaces characterised by strong contrasts, rhythmic patterns and symbolic motifs. These creatures, which lie somewhere between artefact and totem, embody a language in which colour, ornament and volume serve as signals. Through them, ceramics become a space in which the sign detaches itself from the wall, takes on volume and transforms into a living, ambiguous figure – archaic and contemporary at the same time.

Becky Tucker's (born 1993 in Scarborough, UK. Lives and works in Glasgow, UK) shape- and genre-transcending sculptures and reliefs explore the intersection between ceramic tradition, cultural symbolism and the emotional intensity of contemporary cultural Angst. Her latest work, Hyades, addresses the revered awe towards water and floods, an overwhelming, unstoppable force. It builds on the long tradition of rain/water deities and folkloric spirits. From the Greek Hyades – nymphs who bring rain – to Oya, the goddess of violent rainstorms in Yoruba mythology, to the Kelpies – malevolent water spirits in Scottish folklore. The figure stretches upwards towards the rain and downwards towards the earth – in searching. The barely human figure is ambiguous in terms of gender and age; it is unclear what is costume and what is skin. She sits there, seemingly oblivious, except for her six eternally open eyes.

As already mentioned, ceramics have been attributed with a kind of healing effect. This may be due to the immediately fulfilling haptic qualities of clay and the variety of possibilities it offers. Carl Anderson (born 1990 in Shoreham-by-Sea, UK. Lives and works in West Sussex, UK) regards ceramics as a form of trauma therapy. A rather serious trauma that he has to cope with. Anderson was the victim of a knife attack that nearly cost him his life. His series ‘Spoon Warmer’ shows various grinning trolls whose protruding ‘head world’ forms a mysterious arm that hides an object or a hand signal behind their backs. Their grin is intended to distract from the secret code, but at the same time arouses suspicion about their true intentions. The title and the comic-like, playful appearance of the now obsolete spoon warmer play with the feeling of feel-good domesticity, while the sculpture tells of hidden threat and deception. A tense dialogue emerges between harm and care, digital and physical, violence and safeguarding, absurdity and seriousness. Anderson questions what can still be trusted in today's world. 

Clare Goodwin's (born 1973 in Birmingham, UK. Lives and works in Zurich, CH) ceramic works are an extension of her painting practice. With them, she challenges her own paintings on canvas, which are rooted in hard-edge abstraction. Glaze becomes colour field and line, blurring the hard structures of her paintings and introducing a softer, tactile, architectural presence between object, surface and image. Sometimes she also breaks up the forms and reassembles them like a mosaic. In doing so, Goodwin introduces a pattern-based colour scheme that reflects personal and found objects with abstract representations of domestic interiors. A quiet beauty emerges, a kind of ‘constructive nostalgia’ that allows geometric fragments and muted colour relationships to integrate between painting, tile and object.

Yulia Iosilzon's (born 1992 in Moscow, RU. Lives and works in London, UK) work also straddles the boundary between painting, ceramics and world-building, and likewise consists of mosaic fragments. Less tied to abstraction than Goodwin, and more to figurativeness, Iosilzon merges narrative and ornament into a single pictorial logic. They transport the viewer into landscapes that appear both mythical and interior. Iosilzon deepens her exploration of translucency and fluidity—qualities that extend beyond the material surface into the architecture of her compositions. These new ceramic paintings open a dialogue between the personal and the cosmic, between the remembered structures of mythology and the instability of contemporary experience. The visual language unfolds through a series of scenes in which human and natural forms are intertwined, creating moments of transformation. Through this ongoing tension between disintegration and creation, Iosilzon transforms inherited symbolic narratives into psychological dramas full of ambiguities. The mythical no longer dictates moral consequences, but provides a framework for exploring porous identities, shifting emotional states, and the generative instability between form and feeling.

The Tribu series by artist duo Hippolyte Hentgen (Gaëlle Hippolyte born 1977 in Perpignan, FR. Lina Hentgen born 1980 in Clermont-Ferrand, FR. Live and work in Paris, FR) ties in with the tradition of the objet trouvé and is perhaps the third strand in the field of mosaic creations. Originally conceived at the invitation of the Cristallerie Saint Louis Museum (Hermès Foundation) in Saint Louis les Bitches, France, the duo worked with remnants from the Cristallerie that revealed imperfections in the crystal. Each sculpture was an assemblage of crystal elements, objects found at flea markets and cut-out images. In the case of Tribu here, all the elements consist of ceramic objects found at flea markets. These sculptures function like rebuses. As in collages, analogies or connections between new ideas arise through the association of the visible and hidden original history of the objects used. 

The sculpture is combined with one of the artists' latest drawings from the ‘Patterns’ series. The Patterns are based on fragments or close-ups of elements from Italian Renaissance paintings, combined with abstract motifs resembling fabric patterns, just like Goodman's work. A postmodern pop effect is achieved by using art history to address and change the discussion about representation. 

British artist Grayson Perry (born 1960 in Chelmsford, UK. Lives and works in London, UK), winner of the 2003 Turner Prize, creates, among others, enchantingly beautiful pots, hand-sewn quilts and extravagant clothing designs that convey provocative themes. At the heart of his work is a passionate desire to comment on profound injustices in society. Perry uses pots as a narrative and figurative medium, as a round, curved surface for bizarre or bitter stories. In the richly textured work Untitled (1992), the sentence "Are not murder, pollution, perversion and all forms of evil natural as well? appears alongside photo transfers of an innocent horse, cute dogs, hands praying to God and an engraving of a king and his mistress, both naked. The king has grown breasts, he has a pregnant belly and has to stand on platform shoes to be at least as tall as his much younger lover with her iron corset. Need we say more?

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PRESSETEXT | SAALTEXT AUF DEUTSCH
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Ach, liebe Keramik. Du Gut der Erde. Du hast etwas urtümliches, du erdest uns. Du fühlst dich an wie ein tiefer Schluck frischer Alpenluft oder so wie, wenn man einem dicken Baumstamm entlang von unten in die Krone schaut. 

Das ist keine historische Altertumsausstellung, aber vielleicht eine Liebeserklärung. Eine Ausstellung darüber was die heutige Künstlergeneration mit Keramik anzustellen vermag. Werke, die ebenso handwerklich wie künstlerisch virtuos sind. Denn genau das ist das entscheidende Verhältnis. Nichts ist mehr klassisch dabei, und doch spielt der Blick auf die Tradition bei allen Künstlern und Künstlerinnen hier eine Rolle. Wir zelebrieren gleichermassen, wie weit das Medium gekommen ist und, wie weit man damit gehen kann.

Alles aus Keramik ist heikel, und doch ist es das langlebigste von Hand gestaltbare Erdenmaterial. Man denke nur daran welche jahrtausendealte Keramikschätze wir heute noch nahezu unversehrt bewundern können. Sie ist eines der ältesten Mittel des künstlerischen Ausdrucks. Vor Hunderten, Tausenden von Jahren dürften unsere Vorfahren aus der Altsteinzeit die Materialeigenschaften von Ton bemerkt haben. Sie müssen die Fussspuren ihrer Beute gesehen haben – und die ihrer eigenen schweren Schritte – die sich in die Flussufer gedrückt hatten und ihre Form behielten, selbst als sich Wasser darin sammelte. Aber es war noch ein langer Weg, bis Ton zu Keramik verarbeitet werden konnte.

Keramik ist ein viel umfassenderes Konzept, als viele vielleicht annehmen. Aus der “Keramik ist nur Design”-Grube hat sie sich längst emanzipiert. Interessanterweise waren die ersten Keramikgegenstände keine praktischen Schalen, sondern Kunstwerke. Vor etwa 28.000 Jahren begann die Pavlovianische Kultur des Gravettien-Europas – eine hochentwickelte Gesellschaft von Mammutjägern – spezielle Lehmöfen zu verwenden, um kleine Tier- und Menschenfiguren zu brennen. Ihr legendärstes Werk ist nach wie vor die Venus von Dolní Věstonice, eine kurvenreiche Figur, die als älteste bekannte Keramik der Welt gilt. (1)

Auch heute noch gilt es als eins der direktesten Ausdrucksmittel. Nahezu alle Künstler hier in der Ausstellung sprachen von der Unmittelbarkeit zum Material in der Übersetzung dessen, was sie schaffen wollen. In der heutigen Zeit mag Keramik vielleicht sogar therapeutisch wirken und hält uns vielleicht bei Verstand im Digitalterror-Dschungel. Philosophisch gesehen konnte man Keramik als die Sache, die sich gegen die Moderne gewehrt hat sehen. Heute vielleicht sogar, die Sache die sich gegen die Digitalisierung wehrt. Denn, und auch das ist der Keramik eigen, man muss sie erfahren. Abbildungen der hier gezeigten Werke, werden ihrer Oberflächenbeschaffenheit, den Lichtreflexionen, der Mehrseitigkeit und -dimensionalität niemals gerecht. 

Wenn man die Funktion bei Keramik beiseite lässt, woran hält man dann fest? Aus dem Ausstellungskatalog Hans Copers Ausstellung im Victoria & Albert Museum im Jahr 1969, sagt er: „Wenn man ein Handwerk ausübt, dessen Zweck und Funktion unklar sind, wird man mit Absurdität konfrontiert. Mehr als alles andere versucht man, ähnlich wie ein wahnsinniger Klavierstimmer, sich einer phantomhaften Tonhöhe anzunähern.“ (2) Das ist wohl eine treffende Beschreibung für die hier anzutreffenden Virtuositäten und “Ton”lagen.

Die vielleicht radikalste Künstlerin, die mit Keramik arbeitete und für viele der hier vorgestellten Künstler und Künstlerinnen eine Inspiration ist, ist die verstorbene Betty Woodman (1930–2018, USA). Ihre Keramikpraxis verlagerte sich vom Funktionalen zum zunehmend Konzeptuellen, wobei sie sich für ihre Etruscan Vasesworks (1965-66) und für ihre Pillow Pitchers (1970er-2000er Jahre) auf den grosszügigen Skulpturalismus der italienischen Töpferei stützte, der auch von der Tradition chinesischer Keramikkissen geprägt ist, die in Bettys Neuinterpretation herrlich unhandlich sind. Es war eine Zeit, in der „ich mein Verständnis davon, was Ton sein kann, erweiterte“, sagte Betty. Eine frühe Vorahnung ihrer radikalen Keramik- und Malerei-Assemblagen wie Summer View, 2013, die in der Ausstellung zu sehen ist: eine hervorstehende Trompe-l’œil-Tischplatte, auf der zusammengesetzte Tongefässe stehen. (3)

Die Künstlerin Perrine Boudy (geb. 1995 in Versailles. Lebt und arbeitet in Brüssel, Belgien) ist nach eigener Aussage eine grosse Bewunderin Woodmans. Auch bei ihr sind die Kreationen Skulpturen und eigentlich nicht als Vase zu verstehen. Sie sind von griechisch-römischen Kratervasen inspiriert, aber unglasiert und porös, wie sie sind, nicht benutzbar. Sie bevorzugt es nach dem Brennen von den Farben der Glasur nicht überrascht zu werden und spielt lieber mit Engoben, die sie „wie Aquarellfarben oder Tusche“ verwendet, bevor sie das Stück in einem einzigen Durchgang brennt. Die Vase wird also zum dreidimensionalem Papier. Das Zeichnen in ein Volumen verwandelt, bestrebt mit der Grenze zwischen Zeichnung und Keramik zu spielen. Boudy nutzt das Vehikel der mit Bedeutung aufgeladenen Vasen, die in unser aller Gedächtnis als unumstössliches Kulturgut sind, und verkehrt sie, ganz im Sinne eines Simmulacra, in eine Platform auf der beliebig herumgespielt werden kann. Omage und verklärte Komikzeichnung zugleich. Sie bedient sich obsessiv wiederkehrenden Motiven wie Punkte, Voluten und Streifen, rein ornamental, oder Kommikbuchartigen Tieren, wie Pferde oder Hunde.

Auch Caroline Achaintre (geb. 1969 in Toulouse, FR. Lebt und arbeitet in London, UK) treibt ihr Spiel mit Zwei-und Dreidimensionalität.  Sie erstellt verschiedene Charaktere, halb fantastisch, halb geisterhaft, manchmal aus Wolle, manchmal aus Keramik, in verschiedenen Dimensionen. Solaroid, wirkt wie eine von der Sonne geblendet Karnevalsmaske. Überhaupt spielt der europäische Karneval mit seiner Gestaltwandlung als Inspirationsquelle für Achaintres eine wichtige Rolle. Die Sonne erzwingt das Zusammenkneiffen der Augenpartie und schrumpelt das Keramikblatt zu einer dreidimensionalen Maske zusammen. Etwas im Ursprung Zweidimensionales wird zu etwas animiert Dreidimensionalem. Achaintres Gedankenspiel geht vielleicht sogar noch einen Schritt weiter, könnte man meinen: sieht man nicht auf einmal Dinge, die man vorher nicht gesehen hat, wenn man selber die Augen zusammenkneift und auf eine unscharfe Stelle fokussiert? 

Bei Sarah Dwyer (geb. 1974 in Ireland. Lebt und arbeitet in London, UK) fängt alles mit Zeichnen an, aber erstmals auf Papier. Ausgehend von Aktzeichnungen überarbeitet sie ihre Aktfiguren auf der Leinwand immer wieder, reduziert sie, zieht sie in die Länge, Breite oder quetscht sie zusammen, bis sie die richtige Form haben. Dazu verwendet sie ihr eigenes abstraktes Vokabular der Zeichengebung, das sie über einen Zeitraum von fünfzehn Jahren entwickelt hat, mit einem Augenzwinkern in Richtung der Geschichte der abstrakten Figuration. Seit kurzem überträgt sie den Diskurs, den sie in der Malerei entwickelt hat, auf experimentelle Keramikskulpturen. Zwischen Figuration und Abstraktion setzt sich die Auseinandersetzung mit der Beschaffenheit des gestischen Zeichens, der Linie, fort. Die Skulpturen sind wie physische dreidimensionale Manifestationen von Pinselstrichen. Erstaunlich daran ist, wie spontan und frei sie wirken und dabei völlig verschleiern, dass sie so sorgfältig geschichtet und so oft gebrannt wurden, um die unterschiedlichen Oberflächenstrukturen zu erzielen, bis kurz bevor die Hitze im Ofen sie zerbrechen würden.

Wie Dwyer erforscht Gabi Deutsch (geb. 1973. Lebt und arbeitet in Zurich, CH) in ihren Arbeiten Formen der Abstraktion und Übersetzungen in eine Dreidimensionale Skulptur. Sie lotet die Potentiale des Materials, seiner Struktur und seiner Transformatsmöglichkeiten aus und macht die Prozesshaftigkeit sichtbar. Formen aus der Architektur-, Kunst- und Designgeschichte dienen ihr als Referenzen für ihre Arbeit. Deutsch arbeitet seit einigen Jahren hauptsächlich mit Keramik. Sie fertigt handgeformte Unikate, die zwischen Kunstwerk und funktionalem Designobjekt angesiedelt sind. 

Als einzige bekennende Designerin im Bunde, pirscht sich Rita Zurbrügg doch ganz nah an die Grenze zwischen den vermeintlich unterschiedlichen Welten von Kunst und Design. So eindrucksvoll kunstvoll sie gemacht sind, sollte dahingehend garnicht mehr unterschieden werden. Ebenfalls inspiriert von Architektur, bildender Kunst und der Formenvielfalt der Natur, transformiert Zurbrügg Ton in meisterhafte skulpturale Objekte des Alltags.

Seit 2018 entwickelt Guillaume Martin-Taton (geb. 1991 in Nîmes, FR. Lebt und arbeitet in Genf, CH) eine Keramikpraxis, in der chimärenartige Tiere eine zentrale Rolle spielen. Diese hybriden Figuren, die aus seinen Forschungen zu Beschilderungssystemen und dem Manitou-Alphabet hervorgegangen sind, fungieren als dreidimensionale Zeichen – gleichzeitig skulpturale Formen und kodierte Präsenzen. Ausgehend von Aposematismus und den visuellen Warnstrategien des Tierreichs komponiert er Oberflächen, die durch kräftige Kontraste, rhythmische Muster und symbolische Motive gekennzeichnet sind. Diese Kreaturen, die zwischen Artefakt und Totem angesiedelt sind, verkörpern eine Sprache, in der Farbe, Ornament und Volumen als Signale fungieren. Durch sie wird die Keramik zu einem Raum, in dem sich das Zeichen von der Wand löst, Volumen annimmt und sich in eine lebendige, mehrdeutige Figur verwandelt – archaisch und zeitgenössisch zugleich.

Becky Tuckers (geb. 1993 in Scarborough, UK. Lives and works in Glasgow, UK) form- und genreübergreifende Skulpturen und Reliefs erforschen die Schnittstelle zwischen keramischer Tradition, kultureller Symbolik und der emotionalen Intensität zeitgenössischer kultureller Ängste. Ihr neustes Werk Hyaden spricht die Ehrfurcht gegenüber von Wasser und Flut, einer überwältigenden, unaufhaltsamen Kraft, an. Sie baut auf der langen Tradition von Regen-/Wassergottheiten und folkloristischen Geistern auf. Von den griechischen Hyaden – Nymphen, die Regen bringen – über Oya, die Göttin heftiger Regenstürme in der Yoruba-Mythologie, bis hin zu den Kelpies – bösartigen Wassergeistern in der schottischen Folklore. Die Figur streckt sich gleichzeitig nach oben zum Regen und nach unten zur Erde – auf der Suche. Die kaum menschliche Gestalt ist in Bezug auf Geschlecht und Alter mehrdeutig, es ist unklar, was Kostüm und was Haut ist. Sie sitzt da, scheinbar ahnungslos, bis auf ihre sechs ewig offenen Augen.

Wie schon erwähnt, wird Keramik eine Art heilende Wirkung zugeschrieben. Das mag an der unmittelbar erfüllenden Haptik von Ton und an der Vielfalt der Möglichkeiten, die es bietet, liegen. Carl Anderson (geb. 1990 in Shoreham-by-Sea, UK. Lebt und arbeitet in West Sussex, UK) betrachtet Keramik als eine Form der Traumatherapie. Ein ziemlich schwerwiegendes Trauma das er zu bewältigen hat. Anderson war Opfer eines Messerangriffs, der ihm fast das Leben gekostet hätte. Seine Serie „Spoon Warmer“ zeigt verschiedene grinsende Trolle, deren ausladende „Kopfwelt“ einen geheimnisvollen Arm bildet, der ein Objekt oder ein Handzeichen hinter ihrem Rücken verbirgt. Ihr Grinsen soll vom geheimen Code ablenken, weckt aber gleichzeitig Misstrauen gegenüber ihren wahren Absichten. Der Titel und das comicartige, verspielte Aussehen des heutzutage überflüssigen Löffelwärmers (Spoon Warmer) spielen mit dem Gefühl von feel-good Häuslichkeit, während die Skulptur von versteckter Bedrohung und Täuschung erzählt. Es entsteht ein spannungsgeladener Dialog zwischen Verletzen und Fürsorge, Digitalem und Physischem, Gewalt und Behütung, Absurdität und Ernsthaftigkeit. Anderson hinterfragt, worauf man in der heutigen Welt noch vertrauen kann. 

Die Keramikarbeiten von Clare Goodwin (geb. 1973 in Birmingham, UK. Lebt und arbeitet in Zurich, CH) sind eine Erweiterungen ihrer Malereipraxis. Sie fordert damit eigentlich ihre eigenen der Hard-Edge-Abstraktion verhafteten Malereien auf Leinwand heraus. Glasur wird zu Farbfeld und Linie, die die harten Strukturen ihrer Gemälde verschwimmen lassen und eine weichere, taktile, architektonische Präsenz zwischen Objekt, Oberfläche und Bild einführen. Manchmal entstückelt sie auch die Formen und fügt sie zusammen wie ein Mosaik. Damit reflektiert Goodwin ein von Mustern geprägtes Farbschema, das persönliche und gefundene Objekte mit abstrahierten Darstellungen häuslicher Innenräume reflektiert. Eine ruhige Schönheit entsteht, eine Art “Konstruktive Nostalgie”, die es geometrischen Fragmenten und gedämpften Farbbeziehungen ermöglicht, sich zwischen Malerei, Fliese und Objekt einzufügen.

Auch Yulia Iosilzons (geb. 1992 in Moscow, RU. Lebt und arbeitet in London, UK) Arbeit bewegt sich an der Grenze zwischen Malerei, Keramik und Weltenbildung und besteht ebenfalls aus Mosaikfragmenten. Weniger der Abstraktion verbunden als Goodwin, und eher der Figürlichkeit, verschmelzen bei Iosilzon Erzählung und Ornament zu einer einzigen Bildlogik. Sie versetzen den Betrachter in Landschaften, die zugleich mythisch und innerlich wirken. Iosilzon vertieft ihre Auseinandersetzung mit Transluzenz und Fluidität – Eigenschaften, die über die materielle Oberfläche hinaus bis in die Architektur ihrer Kompositionen hineinreichen. Diese neuen Keramikgemälde eröffnen einen Dialog zwischen dem Persönlichen und dem Kosmischen, zwischen den erinnerten Strukturen einer Mythologie und der Instabilität der zeitgenössischen Erfahrung. Die Bildsprache entfaltet sich durch eine Reihe von Szenen, in denen menschliche und natürliche Formen miteinander verflochten sind und Momente der Transformation erzeugen. Durch diese fortwährende Auseinandersetzung zwischen Auflösung und Entstehung formt Iosilzon überlieferte symbolische Erzählungen zu psychologischen Theaterstücken um, die voller Mehrdeutigkeiten sind. Das Mythische diktiert nicht länger moralische Konsequenzen, sondern bietet einen Rahmen für die Erforschung poröser Identitäten, sich verändernder emotionaler Zustände und der generativen Instabilität zwischen Form und Gefühl.

Die Tribu Serie des Künstlerduos Hippolyte Hentgen (Gaëlle Hippolyte geb. 1977 in Perpignan, FR. Lina Hentgen geb. 1980 in Clermont-Ferrand, FR. Leben und arbeiten in Paris, FR) knüpft an die Tradition des Objet trouvé an und ist vielleicht die dritte Strömung im Bereich der Mosaikkreationen. Ursprünglich auf Einladung des Cristallerie Saint Louis Museums (Hermès-Stiftung) in Saint Louis les Bitches in Frankreich entstanden, arbeitete das Duo mit Resten aus der Cristallerie, die auf Unvollkommenheiten im Kristall hinwiesen. Jede Skulptur war eine Assemblage aus Kristallelementen, auf Flohmärkten gefundenen Objekten und ausgeschnittenen Bildern. Im Fall von Tribu hier bestehen alle Elemente aus Keramikobjekten, die auf Flohmärkten gefunden wurden. Diese Skulpturen funktionieren wie Rebusse. Wie in Collagen entstehen Analogien oder Verknüpfungen von neuen Ideen durch die Assoziation der sichtbaren und der verborgenen ursprünglichen Geschichte der verwendeten Objekte. 

Die Skulptur wird mit einer der neuesten Zeichnungen der Künstler aus der Serie „Patterns“ kombiniert. Die Patterns basieren auf Fragmenten oder Nahaufnahmen von Elementen aus italienischen Renaissance-Gemälden, kombiniert mit abstrakten Motiven, die Stoffmustern ähneln, genau wie bei Goodman. Ein postmoderner Pop-Effekt wird erzielt, indem die Kunstgeschichte genutzt wird, um die Diskussion über Repräsentation zu thematisieren und zu verändern.

Der britische Künstler Grayson Perry (geb. 1960 in Chelmsford, UK. Lebt und arbeitet in London, UK) Gewinner des Turner-Preises 2003, schafft unter anderem verführerisch schöne Töpfe, handgenähte Quilts und extravagante Kleiderentwürfe, die provokante Themen vermitteln. Im Mittelpunkt seines Schaffens steht der leidenschaftliche Wunsch, tiefgreifende Missstände in der Gesellschaft zu kommentieren. Perry nutzt Töpfe als narratives und figuratives Medium, als runde, gewölbte Oberfläche für bizarre oder bittere Geschichten. In dem reich texturierten Werk Untitled (1992) steht der Satz “Are not Murder, Pollution, Perversion and all forms of Evil, Natural as well?(„Sind Mord, Umweltverschmutzung, Perversion und alle Formen des Bösen nicht auch natürlich?“) neben Fototransfers eines unschuldigen Pferdes, niedlicher Hunde, zu Gott betender Hände und einer Gravurzeichnung eines Königs und seiner Mätresse, beide nackt. Dem König sind Brüste gewachsen, er trägt einen schwangeren Bauch und muss sich auf Sockelschuhe stellen, um wenigstens gleichgross wie seine viel jüngere Geliebte mit eisernem Korsette zu sein. Müssen wir noch mehr sagen?

Footnotes:
1 From The World's First Pottery is Older Than You Think by Dan Davis
2 Louise, Long, “Betty Woodman and George Woodman on Show at Charleston, TheSpaces.com, April 19, 2023
3 Louise, Long, “Betty Woodman and George Woodman on Show at Charleston, TheSpaces.com, April 19, 2023